Bordados modernistas - Parte I

Al principio del siglo XX, en Barcelona se editaba Consultor de bordados, una publicación con patrones para realizar bordados, con el diseño característico de la época.

Era la época de auge del Modernismo. 

Los motivos empleados son  muy representativos de este estilo y están presentes en las creaciones artísticas pero  también, en los objetos de uso común, de la vida cotidiana.

Si tomamos como ejemplo un motivo floral (rosas), vemos que fue representado de forma similar

en la ARQUITECTURA

Demetrio Ribes Marco,Valencia , Estación del Norte - 1917 

Demetrio Ribes Marco, Valencia , Estación del Norte - 1917

en la PINTURA

Gustav Klimt - Mada primavesi (detalle) - 1912

en el DISEÑO GRAFICO

Cartel publicitario 

Figurines , Revista de moda

George Barbier - Diseño de modas

en el MOBILIARIO

Pero también en objetos de uso domestico

BORDADOS

Mantel bordado a mano

Camino de mesa, bordado a mano

Mantel bordado a mano con seda

Tapete en lino bordado a mano

Servilletas en tejido adamascado - años ´20

Toalla lino adamascado

Para entender mejor esta época y el interés por el bordado y las labores manuales de este tipo, como parte del arte decorativo, investigue un poco en el inmenso material informativo que se encuentra en la red y también en las publicaciones de la época. 
Entiendo que el considerar la artesanía, como una rama artística  hace parte de un proceso de rescate del trabajo manual tradicional asociado a la creación artística, proceso iniciado mucho antes de 1900 y que se prolongo hasta después de los años 20.

El 1900, es la era del Art Nouveau.

Art Nouveau, significa ‘arte nuevo’ y designa un estilo innovador que se dio en el arte y diseño europeos durante las dos últimas décadas del siglo XIX y la primera del siglo XX, en oposición al historicismo ecléctico de la época victoriana.

El término se tomó de La Maison de l’Art Nouveau, tienda que abrió el marchante Sigfried Bing en París en 1896. Se  denominó  Modern Style (en Inglaterra), Sezession (en Austria), Jugendstil (en Alemania y Países Nórdicos), Liberty (en Estados Unidos), Floreale (en Italia), y Modernismo (en España e Hispanoamérica).

En la nueva estética predominaba la inspiración en la naturaleza, incorporando  las novedades de la revolución industrial, como el hierro y el cristal.

El Modernismo se dio tanto en las artes mayores (pintura, escultura y arquitectura), como también las artes menores, aplicadas o decorativas, en las artes gráficas y en el diseño de mobiliario, joyería, cristalería, cerámica, lámparas, rejería y todo tipo de objetos útiles en la vida cotidiana, incluido el mobiliario urbano, que pasó a tener gran importancia.

Arts & Crafts

El Art Nouveau surgió como consecuencia del movimiento Arts & Crafts, fundado por William Morris en 1861.
Frente al incremento de la producción en serie, y de la mala calidad de los diseños y la realización que ello conllevaba, este movimiento pretendió recuperar los diseños y la elaboración de buena calidad. Las exposiciones anuales de la Sociedad de Exposiciones Arts & Crafts, que comenzaron en 1888, ayudaron a la difusión de este estilo, y una revista nueva, The Studio (fundada en 1893), contribuyó a su divulgación por Europa.

En el siglo XVIII, ante el aumento en la demanda textil, los adelantos técnicos de la época permitieron que los talleres tradicionales se conviertan en pequeñas fábricas. Los tejidos  mejoraron en calidad y se fabricaban más rápidamente pero se considero que el diseño y el que su calidad no fuera tan buena como la del tejido hecho a mano. A principios del siglo XIX, en Inglaterra se abrieron escuelas de diseño para formar artistas que trabajasen en colaboración con la industrial, pero este diseño industrial masivo repercute en las labores manuales que  realizaban las mujeres, de forma tradicional. Ante la preocupación de que las técnicas y diseños anteriores a la producción en serie se olvidasen y se perdiesen,  se editaron manuales como intento de  recuperarlas.

A finales del siglo XIX , aumenta la preocupación por la estética. Concretamente en el año 1851, cuando los visitantes de la Feria Universal celebrada en el Crystal Palace de Londres, observaron el mal gusto de todo lo producido en masa,  creyeron conveniente una reacción para que los objetos de la vida cotidiana, a parte de desempeñar bien la función para la que habían sido creados, recuperaran una buena forma estética. De esta reacción hacia la estética nace el Arts & Crafts.

William Morris

William Morris (1834 - 1896) escritor, reformador social, diseñador y artista inglés intentó la renovación de la cultura recuperando el espíritu de las artes y oficios medievales. En su propio taller Morris and Co intenta recuperar el sistema de producción artesanal,  revitalizar el trabajo manual y promover y realizar un arte para toda la sociedad y no sólo para las élites. Su propósito era unir la técnica y la estética, la cooperación entre artesano y artista.  Morris sostiene que "Si no se infunde arte a los objetos de uso cotidiano, se obtendrá un producto no sólo insignificante, sino un producto que a cada paso de nuestra vida material y de su "progreso" tenderá a la "muerte" de la raza humana".

En 1861, W. Morris con un grupo de amigos, entre ellos  D.G.Rossetti y E. Burne-Jones fundó una empresa de arquitectura y diseño, Morris, Marshall, Faulkner & Co., dedicada a elaborar productos diseñados por los propios artistas y confeccionados manualmente: muebles, vidrieras, tapices, bordados y joyas , alfombras y varios objetos de menaje. Son famosos los diseños de sus tejidos de chintz y sus papeles pintados, con motivos florales, realizados entre 1872 y 1896.

"Fresas"  Tela diseñada por W. Morris - 1883

 Debido al coste muy elevado que tenían los  productos, frente a la fabricación en serie, la empresa no dio los resultados esperados, fracasó pero contribuyó a la renovación de las artes decorativas y difundió objetos con predominio del arabesco floral. El grupo siguió colaborando en el laboratorio de arte aplicada y adorno llamado "Arts and Crafts", lo mismo que en el movimiento que lo continuó.
A partir de 1888 organizaron las exposiciones de Arts and Crafts, con gran repercusión en Europa y América. Se empezó a tomar en consideración el aspecto estético y no sólo el beneficio económico y muchos artistas se acercan a los artesanos que habían seguido cuidando el diseño y la calidad. También surgieron escuelas, de diseño de los textiles.

Tapiz 

 Los seguidores de  Arts and Crafts  desarrollaron dos estilos: unos realizaron diseños a base de líneas curvas basándose en las plantas y otros, dibujos de líneas geométricas, ligados al estilo del arquitecto Mackintosh.

Charles Rennie Mackintosh

 El artista escoces Mackintosh (1868-1928), protomodernista, fue la principal figura del grupo “Los cuatro” de Glasgow, creado en 1897. Los miembros del grupo son considerados grandes innovadores en la historia del diseño y entre los principales precursores del modernismo. Mackintosh toma elementos del Arts and Crafts  y trata de reformar rompiendo con lo anterior. Inspirándose en el arte japonés, asocia el arte celta, con una recreación libre de la línea; emplea la  geometrización y ortogonalidad y prefieren el plano bidemensional.
Los colores predominante son los blancos combinados con violetas o marfiles y también en contraste con el negro. El uso decorativo de figuras estilizadas es una constante.

. También diseñan  tejidos con estampados rítmicos de gran colorido que anticipan el Art Déco.

Paneles tejidos- Mackintosh, 1900

"Rosas" - Mackintosh, 1923

 Mackintosh llega a la fama después de exponer sus muebles en la octava muestra de la Sezession vienesa, del 1900. Su eco es enorme en el continente y de gran influencia en toda el área alemana. La escuela liderada por Mackintosh, su estilo orgánico y su posterior estilo geométrico, llegaría a ejercer una importante influencia sobre el continente europeo, especialmente en la escuela vienesa de los arquitectos Wagner y Hoffmann y, con ella, en Olbrich, y también en artistas alemanes como Behrens o el estadounidense Wright.

En 1897  un grupo de 19 artistas austriacos fundo la Wiener Secession (Secesión de Viena), movimiento artístico correspondiente al modernismo europeo, como proyecto de renovación artística, que trataba reinterpretar los estilos del pasado ante los embates de la producción industrial y que se desvinculaba de la Asociación de Artistas oficial. Su primer presidente fue Gustav Klimt.

Gustav Klimt ( 1862 - 1918)

Los artistas del movimiento pronto fueron protagonistas de la producción artística más llamativa y refinada de Austria con cuadros, edificios, murales e incluso diseño de muebles y ropa.La Vienne Secession tenía un departamento de textil donde algunos artistas diseñaron tejidos. Uno de ellos fue Gustave Klimt cuyas prendas de vestir luego representaba cubriendo a las figuras de sus cuadros.

Retrato de Adele Bloch-Bauer 1905

Emile Flöge musa y compañera, diseñadora de modas, modernista, realizó bordados de colores vivos, delicados encajes, telas ornamentadas y toda clase de diseños textiles, muchos inspirados en los bordados populares. El propio Klimt elaboró algunos diseños para Emile.

Gustav Klimt y Emile Flöge

 A finales del siglo XIX la burguesía urbana tenía gran interés en la producción artesana o artística de la población rural y al coleccionismo de estos objetos se le dio una importancia estético-artística, que finalmente llegó a influir en el desarrollo de estilo modernista.

Hacia 1910 el estilo Modernista estaba en decadencia y tras la I Guerra Mundial fue remplazado por la impecable elegancia del Art Déco. Nunca fue un estilo generalizado, ya que las mejores obras resultaban costosas y no podían producirse en serie, pero  tuvo un papel fundamental en el desarrollo de la historia del arte. Con su rechazo del estilo convencional y su nueva interpretación de la relación entre arte e industria, los seguidores de este estilo prepararon el camino para el arte y la arquitectura contemporáneos.

El Art Decó, estilo proveniente de las artes decorativas, tuvo su desarrollo durante el período de entreguerras (1920-1939), en Europa y América. Su momento culminante fue la Exposición Internacional de Artes Decorativas de París de 1925. La Exposición Internacional de Francia, fue planificada para 1915, pero a raíz del advenimiento de la Primera Guerra Mundial, fue suspendida. En este evento se proponía exponer los adelantos industriales y tecnológicos, y sus productos. Al finalizar el conflicto bélico, en 1918, se retomó la idea, programándose la inauguración de la exposición para 1922. Pero nuevamente, debió ser pospuesta por problemas económicos y finalmente se llevó a cabo en 1925.

Cartel Exposición Internacional Paris 1925

La sede fue el Grand Palais, acondicionado para albergar a los 21 países participantes. Se expusieron todas las novedades en diseño, técnica y materiales textiles. Se promulgaba que la calidad del diseño mejoraba la calidad de vida y se invitaba a que los artistas trabajaran con la tecnología industrial y nuevos materiales. De esta forma, en el periodo de  entreguerras se consiguió la colaboración entre artistas e industria.

Moneda conmemorativa Exposición Internacional, Paris 1925

El estilo Art Deco se caracteriza por la abundancia ornamental, el empleo de materiales lujosos, y la utilización de motivos geométricos y vegetales combinados. Su preocupación es más decorativa que funcional. Es un movimiento que influyó las artes decorativas tales como arquitectura, diseño interior, y diseño gráfico e industrial, también a las artes visuales tales como la moda, pintura, grabado, escultura, y cinematografía.

El término Art déco fue acuñado en la retrospectiva titulada "Les Annés 25" llevada a cabo en París en el Musée des Arts Décoratifs del 3 de marzo al 16 de mayo de 1966 e  incluye un vasto espectro de especialidades y ramas artísticas y de la artesanía.